Sesión 1 - Dialogar imágenes

En la primera sesión estuvimos dialogando sobre unas imágenes de diversos artistas. Había oído hablar sobre algunos de ellos, por ejemplo, Marina Ambramovick, pero conocía su obra en la que profundizaríamos más adelante, en esta sesión vimos una imagen de ella y su pareja sujetando un arco y una flecha entre los dos y debatimos qué significaba, para mí simboliza la confianza que pones en una persona cuando estáis en una relación.

Otra artista que me llamó la atención fue Rebecca Horn y su obra 'The Gigolo' que un principio no me parecía más que una representación de una concha de caracol hecha a base de plumas, pero investigando he descubierto que es parte de una película de ella.

Más adelante vimos a los artistas minimalistas como Dan Flavin y sus obras hechas a base de fluorescentes. Con esto empezamos a trabajar el minimalismo con un poco más de profundidad y aprendí que el minimalismo no era simplemente poner pocos objetos en un espacio poco colorido si no que consiste en colocar elementos esenciales y quitar los sobrantes y todo tiene sentido. Para trabajar mejor el minimalismo, realizamos unas fotografías en clase.

Del minimalismo además conocí a más artistas: Donald Judd, Robert Morris, Sol LeWit... 

Tema 1 - El arte como representación de la realidad.

En la teoría el primer tema fue el arte como representación de la realidad. Antes de todo esto, en la presentación yo pensaba que el arte era simplemente la representación de sentimientos pero en esta sesión aprendí que el arte es una representación que no es fiel a la realidad, ya que el artista elige, subraya, enfoca o desenfoca la realidad... en definitiva, el arte es el producto que el artista quiere que veamos y no la realidad.

En este tema vimos la historia del arte y el realismo a lo largo de los siglos: desde Egipto, donde se representaba lo que se sabe, no lo que se ve, se representaban las cosas en su aspecto más característico. De ahí que se representase a las personas de perfil.

                                     * Imagen de: http://www.taringa.net/post/arte/17472748/Estilos-pictoricos-arte-egipcio.html

Después vimos la mimesis, que es la imitación de la naturaleza, de la realidad. Aquí podría englobarse el arte Griego y Romano, ya que las esculturas realizadas en esta época intentaban imitar la realidad: por ejemplo el Doríforo, que vimos en clase, era una representación realista del cuerpo humano por las proporciones, movimiento etc. En la Edad Media se perdió todo esto, las representaciones eran más esquemáticas y predominaba el arte cristiano, se representaban muchas escenas bíblicas.

* Imagen de: https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_medieval#/media/File:Christus_Ravenna_Mosaic.jpg

Tras todo esto va el arte renacentista. Durante el Renacimiento había un anhelo por el mundo Grecorromano, por lo que se recuperó la mimesis y se volvieron a hacer esculturas que se asemejaban mucho a la realidad del cuerpo humano, por ejemplo el David de Miguel Ángel:

*Imagen de: https://arteazucarera.wordpress.com/2016/02/09/el-david-de-miguel-angel/

Además en este tema he aprendido que hubo un debate durante los siglos XVI - XVII: ¿Debía el arte imitar la realidad (Jan Vermeer de Delft) o debía idealizarla (Miguel Ángel)? Para artistas holandeses, como Jan Vermeer de Delft debía imitarla, sin embargo para artistas italianos como Miguel Ángel, idealizarla. 

Saltando a la época contemporánea, también tenemos representaciones realistas en fotografía y escultura, cosa que conocía antes por historia del arte pero no en profundidad: Está el fotorrealismo, cuyo máximo exponente es Richard Estes. Otro artista realista es Chuck Close, quien utiliza la fotografía también para hacer retratos, y por último Duane Hanson y su 'Compradora en el supermercado' (1970), esta obra la conocía por historia del arte y solía pensar que era una mujer de carne y hueso porque es muy realista. 

Por último aprendimos qué era el impresionismo viendo unas obras de Claude Monet, cuya obra conocía anteriormente pero no sabía bien qué tipo de arte era. Antes de la lección no conocía qué era el impresionismo, pero aprendí que era una representación subjetiva, ya que se representan las cosas tal como las percibe el sujeto.

Tema 2 - El arte como investigación estética y formal

En este tema se profundiza más en el impresionismo, así que aprendí más sobre él: el impresionismo además de representar las cosas tal como el artista las ve, convierte la luz, el color y la representación en protagonistas de la obra. Desde esta perspectiva el arte se utiliza como medio de investigación sobre los colores y la luz.

Otro motivo de investigación son las dimensiones y la creación de profundidad. En clase vimos esto con obras de DaVinci, Julian Beever y M.C. Escher; con ellos se puede ver como se ha intentado dar profundidad y dimensión a las obras a lo largo de los años.

*Imagen de: https://es.wikipedia.org/wiki/Leonardo_da_Vinci#/media/File:Mona_Lisa,_by_Leonardo_da_Vinci,_from_C2RMF_retouched.jpg

En la Mona Lisa de Leonardo DaVinci podemos ver como se resalta la imagen de la persona y el fondo da una sensación de profundidad. 

Después saltamos al cubismo, que investiga como pasar un objeto de las tres dimensiones a las dos dimensiones. Antes de esta lección no sabía nada sobre el cubismo, pero he aprendido que los artistas del cubismo reducen los objetos a formas geométricas elementales y además multiplican los puntos de vista: una obra cubista es distinta desde diferentes ángulos.

Dentro del cubismo podemos encontrar el futurismo, que intenta imitar el movimiento. De esta corriente lo que más me llamó la atención fue la obra de Marcel Duchamp ya que intenta imitar el movimiento de bajar las escaleras pero a primera vista no lo parece. Además del futurismo, tenemos el cubismo sintético que combina más colores libremente. 

El cubismo abre paso a otra corriente artística: el arte abstracto que se preocupa más por la esencia de la estructura que por la apariencia externa, las texturas y por cazar formas geométricas, se cree que las líneas y las formas pueden comunicar sentimientos. Artistas como Mondrian (Constructivismo holandés) expresan la armonía y el orden espiritual utilizando colores básicos (blanco y negro) y líneas principalmente. También hay obras abstractas fotográficas, como las de Moholy Nagy (1895-1946).

Tema 3 - El arte como expresión

En la quinta sesión de arte vimos el arte como expresión. Remitiéndome a la primera sesión de arte, la profesora nos planteó la pregunta ¿qué es el arte para ti? a la que respondí la expresión de sentimientos y emociones. En este tema vi que hay diferentes respuestas para esto: en la ilustración la razón debía guiar la creación artística, sin embargo en el romanticismo debían ser el sentimiento y la pasión.

En este tema aprendí que para el expresionismo es muy importante el color, como se puede ver en 'La noche estrellada' de Van Gogh: resalta las estrellas y los tonos del cielo.

*Imagen de: http://paseandohistoria.blogspot.com.es/2010/11/vincent-van-gogh-y-su-noche-estrellada.html

También hay un subjetivismo antinaturalista, que sugiere las cosas en vez de describirlas y es importante el trazo además del color.

El arte se utiliza para expresar sentimientos y emociones y además hacer crítica política y social (Picasso con su 'Guernica')

El expresionismo abstracto en EE.UU utiliza la fuerza de los colores, la pincelada y el trazo para expresar. Jackson Pollock es un artista del expresionismo abstracto, en su obra Lavender Mist utilizó una técnica que consistía en poner el lienzo en el suelo y tirar pintura para después repasar y redondear algunos trazos.

*Imagen de: http://www.wikiart.org/en/jackson-pollock/number-1-lavender-mist-1950-1

Tema 4 - El arte como comunicación

El arte además de expresar también comunica, claro ejemplo son los carteles publicitarios de tiendas: nos comunican cosas mediante slogans y mediante imágenes: 

*Imagen de: https://byankky.wordpress.com/2009/06/09/analisis-de-carteles-publicitarios/

En el aula vimos diferentes imágenes que comunicaban: desde carteles hasta pinturas como la de las 3 edades, que representa el nacimiento, la juventud, la vejez y la muerte. Considero que el arte expresa y comunica: cuando un artista hace un cuadro representa y expresa su sentimiento, pero cuando su obra es vista por otras personas está comunicando ese sentimiento indirectamente. 

Entre los diversos artistas que vimos me llamó la atención la obra de Jaume Plensa sobre las dos esculturas de personas formadas con letras, ya que me sonaba de haber visto algo parecido anteriormente e investigando me he dado cuenta de que realizó una escultura similar, llamada El Alma del Ebro, para la expo Zaragoza 2008.

*Imagen de: https://en.wikipedia.org/wiki/Jaume_Plensa#/media/File:El-alma-del-Ebro-jaume-plensa.jpg

Detalle. Imagen propia.

Pasando a otros autores, tenemos a los artistas Salvador Dalí y Luis Buñuel. Buscando información sobre ellos, he encontrado que eran artistas del surrealismo que surge a partir del dadaismo. 

*Imagen de: http://panamarte.net/2012/06/obra-relojes-blandos-salvador-dali/

En este tema dimos un repaso a artistas contemporáneos como Jeff Koons y Marina Abramovic, me voy a centrar en la obra de la segunda. En su obra Marina Abramovic tenía una pareja, Ulay y se separaron de una manera artística. Años más tarde, en una de las performances de Abramovic apareció él y se produjo un reencuentro en el que ambos lloraron. Además de todo esto, Marina Abramovic es la pionera del método Abramovic, que consiste en beber un vaso de agua despacio, escribir tu nombre en un papel y contar granos de arroz durante 16 horas.

Explicación: http://www.theguardian.com/artanddesign/video/2014/may/12/marina-abramovic-method-video

Otra obra en la que profundizamos fue 'Una, Dos y Tres Sillas' de Joseph Kosuth. En esta obra el artista nos expone una silla, la fotografía de esta y su descripción. Considero que la obra comunica las diferentes realidades existentes hoy en día: vemos fotografías de cosas y buscamos definiciones en el diccionario, pero además también tenemos los objetos reales a nuestro alcance.

En mi opinión el arte es un buen medio comunicativo ya que permite a la persona expresarse libremente sin tener que mediar una palabra. El arte permite comunicar desde la belleza de una persona, objeto... hasta injusticias sociales.

Tema 5 - El arte como discurso crítico

Como mencionaba en la conclusión del anterior tema, el arte puede ser una herramienta para denunciar injusticias sociales también. En este tema trabajamos en mayor parte la denuncia social, comenzando por ejemplo con la obra de Santiago Sierra para el Bienal de Venecia en 2003, que cargaba contra las leyes de inmigración y al que solo se podía acceder con una identificación española.

Otro artista que me llamó la atención en este tema fue Banksy, artista muy conocido sobre todo por una de sus últimas obras en la fachada de la embajada francesa en Londres:

*Imagen de: http://news.images.itv.com/image/file/882457/stream_img.jpg

En esta obra podía escanearse el código QR que llevaba a un vídeo sobre el lanzamiento de gases lacrimógenos en un campo de refugiados de Calais, Francia. En mi opinión el artista hace buen uso de su arte en graffitis para hacer denuncia social, ya que a parte de esta obra tiene otras muchas que denuncian el estilo de vida de la sociedad actual.

Por último trabajamos al artista Antoni Muntadas, sobre quien vimos un vídeo. Antoni Muntadas, quien hace arte utilizando medios tecnológicos tales como televisores, internet... Su finalidad es hacer crítica a los medios de masas y a los fenómenos sociales. Muestra de esto es la exposición 'The Boardroom': en una sala aparentemente de reuniones hay imágenes de líderes mundiales por las paredes y en la boca tienen pantallas de televisión que se encienden con un discurso suyo. Creo que esto es una buena crítica a la sociedad, ya que utiliza a los grandes líderes mundiales como centro de su obra y da pie a la reflexión del visitante.

*Imagen de: https://artappreciation101.files.wordpress.com/2011/12/am_chairroom.jpg

En resumen, el arte sirve para hacer crítica de las injusticias sociales, la sociedad, la política... y muchos artistas han utilizado esto en diversas formas: algunos como Banksy mediante graffitis en las calles, y otros como Antoni Muntadas haciendo exposiciones. 

La performance

Para finalizar con las lecciones, quería dedicar una entrada a la performance ya que es un tema que hemos trabajado bastante en clase. Antes de comenzar las lecciones no sabía mucho sobre este tipo de arte, solo sabía que performance era una representación que solían hacer cantantes, pero tras las lecciones he aprendido más sobre esta forma de hacer arte.

La performance es un arte en acción, es un arte en el que se usa el cuerpo para representar, emitir y comunicar señales al público. La fotografía que se ve a continuación es de Esther Ferrer: 'Se hace camino al andar' (2003).

*Imagen de: http://mm.queaprendemoshoy.com/wp-content/uploads/2013/05/44.jpg

Otros artistas de este arte son Marina Abramovic, de quien hemos hablado en anteriores entradas y Abel Azcona. 

Obra artística - Proceso

Durante el primer día de clase, la profesora nos propuso tres temas para la obra artística: nuestro proceso de aprendizaje, cómo se ve la infancia actualmente o un tema actual. Al finalizar la lección comencé a pensar en qué tema podría escoger para mi obra y me decidí por el primero.

Para mí, personalmente, mi proceso de aprendizaje fue como estar encerrada en una jaula porque estar en el aula suponía estar sentada durante 6 horas diarias escuchando explicaciones y haciendo ejercicios para interiorizar esas explicaciones, las cuales muchas veces no despertaban ningún interés en mí. De todas las cosas que he tenido que aprender en la escuela recuerdo las más recientes y a veces ni esas, cosa que no debería haber pasado si el proceso de aprendizaje hubiese estado más orientado a reflexionar y explorar: cuando yo era pequeña me gustaba mucho dibujar y el arte, pero me vi condicionada a aprender otras cosas que me resultaban menos interesantes y, poco a poco, dejé de dedicar tiempo a lo que me gustaba hacer porque no era lo que interesaba que aprendiese.

Después de esta reflexión tocaba materializar la obra y pasé por diferentes formas: primero pensé en una performance, pero era una idea compleja de expresar de esa manera así que preferí pasar al papel y hacer una obra visual en papel: representar una jaula y el encierro que supuso para mí tener que dejar lo que de verdad encontraba interesante por lo que necesitaba para no repetir curso.

Conclusión

En conclusión, la parte de Artes Visuales me ha servido para reflexionar sobre qué es el arte y abrir más mi definición sobre él. Ahora sé que el arte no solo sirve para expresar sentimientos y emociones si no que también sirve para criticar la sociedad en general y para comunicar cosas que un artista quiere comunicar de otra manera que no sea hablando. He aprendido también que el arte es un concepto abierto: cualquier cosa que una persona considere arte lo es. También que el arte va cambiando de forma porque antiguamente se hacían representaciones en escultura y pintura, pero actualmente la performance va ganando más fuerza.

Considero que el arte es muy importante para la sociedad porque nos hace reflexionar y nos hace pensar, y quizá en una sociedad tan acelerada como la nuestra, con tanto estrés, lo que nos hace falta es darnos un respiro y apreciar el arte porque está en todos lados: pararnos a reflexionar y a pensar cuando vemos una obra que nos llama la atención, porque actualmente no solemos hacerlo.

En resumen, la asignatura de artes visuales me ha ayudado a pararme a considerar lo que un artista quiere transmitir con su obra, cosa que antes no hacía ante obras abstractas y cubistas.